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Este próximo 23 de mayo, el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes será testigo del resurgimiento de la escena pop/emo de los años 2000. The Academy Is... viene a la Ciudad de México para recorrer su discografía, además de presentar su nuevo material Almost There, próximo a lanzarse el 27 de marzo. The Academy is... llega a México el próximo 23 de mayo con nuevo álbum / Rollingstone The Academy Is... es una banda originaria de Chicago, Illinois, reconocida por su sencillo “About a Girl”, que los puso en la mira de varios sellos discográficos. Fueled by Ramen consiguió la exclusiva con la agrupación y los calificó como “uno de los mejores artistas que han contratado”. A lo largo de su trayectoria, la agrupación ha vendido aproximadamente 1.7 millones  de álbumes. La agrupación ha tenido altibajos a lo largo de su carrera. Durante sus primeros años grabaron tres álbumes que los colocaron como una de las bandas más influyentes dentro de la escena. Su álbum debut y más exitoso fue Almost Here , lanzado en febrero de 2005, y más adelante publicaron Fast Times at Barrington High , en agosto de 2008. Tras años en silencio, la agrupación anunció una pausa indefinida en 2011; los integrantes aseguraron que la separación fue en buenos términos y que cada uno seguiría proyectos en solitario. En 2015 tuvieron una gira de reunión por el décimo aniversario de su álbum debut, con 16 fechas en Estados Unidos. La gira cerró en The Observatory, un recinto en San Diego, California, que les permitió reconectar con sus fans. Fue hasta 2022 que la banda desempolvó sus instrumentos y anunció su participación en Riot Fest. Esa presentación fue la chispa que encendió las fechas posteriores, que incluyeron tres conciertos en Inglaterra, entre ellos una presentación en The Dome. Recientemente, en 2025, realizaron una nueva gira por el 20 aniversario de su disco debut; durante esas fechas anunciaron que lanzarían material nuevo en 2026. Ahora México será testigo de este gran regreso a los escenarios y del nuevo álbum de The Academy Is... Ya puedes adquirir tus boletos de The Academy Is... en Ticketmaster / Ocesa Así que ya lo sabes: saca tus V-neck, tus Vans y tus skinny jeans, porque The Academy Is… se estará presentando este próximo 23 de mayo . Consigue tus boletos a través de Ticketmaster.

La noche del 26 de abril de 2026 no será una más en el calendario capitalino. El escenario del Foro 28 se convertirá en territorio sagrado para los devotos del Black ‘n’ Roll cuando Midnight pise suelo chilango por primera vez como headliner. El Black ‘n’ Roll de Midnight llega en abril a Foro 28 / Midnight La banda Midnight encabezada por Athenar celebrará los 15 años de Satanic Royalty , obra que marcó su ascenso en el underground y que será ejecutada de principio a fin. No como un ejercicio de nostalgia, sino como un ritual completo con vibra callejera que mezcla irreverencia, oscuridad y actitud punk. El repertorio no se limita al aniversario. La discografía del proyecto incluye lanzamientos que han consolidado su reputación dentro del circuito extremo, como Rebirth by Blasphemy , Let There Be Witchery  y el más reciente Hellish Expectations. Cada uno ha expandido su propuesta sin diluir su esencia: canciones directas, espíritu maldito y una producción que privilegia la intensidad por encima de la pulcritud. Midnight celebra el 15 aniversario de Satanic Royalty /Midnight Prepárate: el Black ‘n’ Roll tomará el Foro 28 y no piensa pedir permiso. 🗓️ 26 de Abril 📍 Foro 28 🎟️Boletos en passline Midnight 26 de abril en Foro 28

Durante siglos nos han vendido la imagen del artista atormentado como si fuera el motor indispensable del arte. Pero en el rock, esa idea se volvió casi una religión. Del “Club de los 27” a las letras rotas del grunge, aprendimos —sin cuestionarlo demasiado— que la autenticidad viene del sufrimiento, que para crear algo real hay que estar hecho pedazos. Crecimos admirando la honestidad brutal de Ian Curtis o la desesperación eléctrica de Kurt Cobain. Y sí, lo que hicieron fue poderoso. Pero con el tiempo resulta imposible ignorar algo incómodo: eso que llamamos “pasión” muchas veces era un grito de auxilio. Aun así, lo romantizamos. Convertimos el dolor en virtud y el bienestar en sospecha, como si estar en paz significara perder filo o volverse irrelevante. La pregunta aparece tarde o temprano: ¿de verdad necesitas trauma para escribir un himno? La respuesta es más simple de lo que parece: no. La creatividad no nace del desastre; es una herramienta para procesarlo. No es el incendio, es lo que haces con las cenizas. La pregunta aparece tarde o temprano: ¿de verdad necesitas trauma para escribir un himno? La respuesta es más simple de lo que parece: no. La creatividad no nace del desastre; es una herramienta para procesarlo. No es el incendio, es lo que haces con las cenizas. El rock siempre ha sido rebeldía, y durante mucho tiempo nada pareció más rebelde que quemarse rápido y fuerte. Pero hoy, en pleno 2026, algo está cambiando. La industria empieza a mirarse al espejo. Los fans también. Y esa narrativa del genio que se destruye ya no se siente tan romántica como antes. No se trata de borrar la oscuridad. El rock existe justamente para eso: para gritar lo que no cabe en otro lado, para exorcizar sombras. El problema es exigirle al músico que se sacrifique, que se consuma frente a nosotros, para que la experiencia “valga la pena”. Tal vez la verdadera energía del rock actual no esté en el dolor, sino en la resiliencia. En celebrar no solo la herida que inspiró la canción, sino la fuerza de quien logró transformarla en algo vivo… y seguir aquí para tocarla una noche más. Y ahora la pregunta queda abierta: ¿El rock pierde su esencia cuando el artista está en paz? ¿O por fin estamos listos para una era de leyendas saludables?

En la industria musical actual, la realidad es innegable: la música se ve tanto como se escucha y te lo vamos a demostrar con un ícono como lo es Michael Jackson hasta . En un mercado saturado de lanzamientos diarios, el estilo personal es la herramienta definitiva para diferenciarse. No se trata solo de "verse bien", sino de construir una identidad visual coherente. Cuando el vestuario refleja con honestidad el género y la personalidad de una banda, el mensaje se vuelve creíble. Considera el impacto de Michael Jackson ; su guante blanco y sus chaquetas militares no eran simples accesorios, sino "anclas visuales" que canalizaban su estatus de realeza del pop. Del mismo modo, el verde neón de Billie Eilish y su ropa oversized rompieron el molde de la hipersexualización femenina, convirtiéndose en un símbolo de rebelión generacional y autenticidad que resuena con la Generación Z. Estos elementos no eran solo prendas, eran extensiones de su narrativa que hoy son iconos de la cultura pop. Billie Eilish un ejemplo de identidad visual / Kevin Mazur-Getty Images for Live Nation Pero el vestuario no solo comunica hacia afuera, también lo hace hacia adentro. Es una identidad visual que refuerza la unidad del grupo y crea una narrativa poderosa. Tenemos ejemplos como el minimalismo cromático de The White Stripes , quienes con solo rojo, blanco y negro proyectaban la misma crudeza de su sonido. En el otro extremo, la armadura escénica de bandas como Slipknot o Daft Punk eleva el concierto a una experiencia teatral y mítica. En el caso de Slipknot, sus máscaras grotescas y overoles industriales actúan como un catalizador de catarsis , permitiendo que la individualidad de los músicos se disuelva en el caos. Daft Punk y su concepto místico de cubrir sus caras / Daft Punk Por su parte, los cascos robóticos de Daft Punk crearon un concepto místico tecnológico que separó la fama de la persona física, permitiendo que el músico desapareciera para dar paso al personaje. Al esconder sus rostros, el foco se desplazó totalmente hacia la obra y el concepto futurista de su sonido. Finalmente, esta identidad es la que permite el salto del escenario a la calle. Un branding visual potente es la base de un merchandising exitoso. El fan no solo compra una camiseta; está "vistiendo" su lealtad y declarando su pertenencia a una comunidad. Tu ropa es, en última instancia, el estandarte de tu música en el mundo real.

Presentación y anuncio de una pausa de los escenarios por un tiempo — estarán en el Vive Latino el 14 de marzo de 2026. Love of Lesbian , la banda española que se ha consolidado importante en el indie rock en español , regresará al Festival Vive Latino 2026  en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México  el 14 de marzo de 2026 , como parte de su gira por México. Con 29 años de trayectoria, la banda ha construido una marca a toda una generación de roqueros, y muchos seguidores mexicanos esperan con emoción este concierto especial, que además viene acompañado de un anunciotriste pero importante: una pausa temporal en sus presentaciones en vivo después de esta etapa de su carrera . Los miembros de Love of Lesbian han expresado lo felices que están de compartir su musica en un festival tan importante con artistas de renombre en esta edición del Vive Latino, como Lenny Kravitz  y los hermanos Gutiérrez . La banda ha destacado en varias ocasiones que el fandom mexicano es increíblemente intenso y leal; esa conexión tan profunda entre el público y la música se transmite mutuamente en cada presentación, haciendo que cada concierto en México sea una experiencia única y llena de emoción. Sin duda, este Vive Latino no podrá faltar su canción más emblemática en vivo Allí Donde Solíamos Gritar , un himno para muchos de sus fans que ha trascendido generaciones y que seguro será coreado por todo el Vive Latino. La banda ha mantenido cierta discreción sobre elementos especiales dentro de su presentación, para hacer de un concierto lleno de sorpresas y momentos únicos. Además, la banda comento que trabaja en nueva música y una colaboración, un cover grabado junto a otro gran grupo español, una gran sopresa que nos tienen. Como parte de su amplia discografía, hay canciones que reflejan diferentes facetas de su sonido y vibra en vivo. “ Cuando No Me Ves ”  es una pieza introspectiva y melódica que se ha convertido en favorita por su emotividad y la conexión que genera con el público, mientras que “ Universos Infinitos ”  muestra el lado más expansivo y evocador de la banda, con capas de texturas y letras que hacen volar la imaginación. Estas canciones, tanto las más conocidas como las que no siempre encabezan playlists, representan dos caras de Love of Lesbian: íntima y épica, melancólica y celebratoria. Esta edición del Vive Latino 2026  con Love of Lesbian como uno de los actos estelares, esta hecho para un momento musical que combina nostalgia, energía y una conexión entre artista y público. Cada vez más cerca y los boletos ya están disponibles para compra en Ticketmaster . No te quedes sin asistir al festival mas importante de México.

La banda mexicana de electro funk se presentará este Día del Amor y la Amistad en el Pepsi Center El próximo 14 de febrero , mientras algunos celebran el amor y otros huyen de él, Midnight Generation   convertirá el Pepsi Center WTC  en una pista de baile gigante. La banda mexicana de electro funk llega con su show a la CDMX, prometiendo una noche llena de sintetizadores y esa vibra retro-moderna que los ha colocado como uno de los proyectos más consolidados de la escena su escena en la actualidad. Su presentación no es cualquier concierto: es una experiencia completa. Midnight Generation llevará al escenario con sus mejores canciones, recorriendo las canciones que los han hecho crecer desde redes sociales hasta festivales. Se espera un show lleno de energía, luces y esa esencia elegante pero divertida que los caracteriza en vivo. Si algo saben hacer, es convertir cada presentación en una fiesta con esa forma tan unica que tiene de ser en el escenario. Conferencia de Prensa CORTESIA: @TONYPICSPORLACIUDAD Parte de su éxito también se debe al enorme alcance que han logrado en redes sociales. Sus videos mostrando sesiones en el estudio, tocando en vivo con ese estilo visual tan cuidado y ese tapete tan característico que aparece en sus clips, se han vuelto parte de su identidad.  Lo mejor es que ese concepto llegará al escenario este 14 de febrero, recreando esa atmósfera íntima del estudio pero ahora frente a miles de personas, como si el público estuviera dentro de una de sus famosas sesiones en vivo.Para abrir la noche, se presentará Mezerg como telonero de esa noche tan espeical, el músico francés conocido por su estilo electrónico y su forma creativa de combinar sintetizadores y theremin. Entre sus canciones más reconocidas destaca “Don’t Wait Up” , un tema que combina sintetizadores brillantes con un ritmo irresistible que te obliga a moverte desde el prinpcio. Otra favorita del público es “Energy” , una canción que, como su nombre lo dice, transmite positividad y es perfectamente el sonido disco-funk moderno que define a la la agrupación. Ambas piezas muestran su capacidad para mezclar nostalgia ochentera con producción contemporánea, creando un estilo propio que conecta con nuevas generaciones. Este 14 de febrero  no importa si estás solo, sola o sole; tampoco si quieres compartir un momento especial con tu pareja o tus amigos. Midnight Generation promete convertir el Día del Amor y la Amistad en una noche distinta, donde el plan perfecto será bailar, cantar y dejarse llevar por la música. Los boletos ya están disponibles, así que es momento de asegurar tu lugar y vivir un San Valentín fuera de lo común. Compra tus tickets en Ticketmaster.

La Garfield y María Centeno encenderán el Pepsi Center con un concierto imperdible. La banda tapatía La Garfield , una de las agrupaciones más representativas del jazz pop y funk en México , está lista para presentarse el próximo viernes 13 de febrero de 2026  en el Pepsi Center WTC de la CDMX , en un concierto que promete una mezcla de nostalgia, ritmo y su nueva música. Este show forma parte de la gira “Cuando se acaba la noche” , un proyecto que marca la colaboración entre La Garfield  y María Centeno , la primera vocalista de la agrupación. Después de varios años de tomar caminos separados, ambas voces se reunirán en el mismo escenario para interpretar tanto los clásicos que dieron forma al sonido de La Garfield como el nuevo material que han presentado bajo este concepto de dúo vocal . La Garfield está lista para presentar en esta fecha tan especial su nuevo disco, con canciones como “ Amanecer ” , que incorpora notas tropicales con toques soul, y “QUE HABLEN<” , un tema que nos recuerda a la Garfield de sus inicios, pero con una frescura renovada. La dupla entre Vanessa  y María  promete generar emociones únicas y despertar recuerdos en el corazón de todos los asistentes. El concierto en el Pepsi Center será una oportunidad para vivir el pasado y el presente de una gran banda, junto a dos artistas que han dejado huella en la escena independiente nacional y que hoy regresan para crear un momento verdaderamente especial. No te lo puedes perder  y ser parte de esta noche única; consigue tus boletos a través de Ticketmaster .

El festival Resuena Dos Equis 2026 vuelve a Puebla y ha comenzado a ganarse su lugar entre los festivales más llamativos y alternativos de México ya que funciona como un reflejo de la escena actual, donde los géneros se mezclan incluso dentro de las propias propuestas artísticas. Resuena Dos Equis vuelve el 21 de Marzo a Cholula /Resuena Dos Equis En esta segunda edición, Cholula, Puebla, continuará siendo el escenario donde el evento seguirá demostrando cómo los géneros ya no se definen por fronteras estrictas, sino que se cruzan y se enriquecen, dando lugar a nuevas formas de expresión musical. Por ello, más allá de los gustos personales, es aquí donde sin duda alguna encontraras esa nueva canción o artista que conectará y resonará  contigo. Estos nuevos hallazgos y experiencias son las que se quedan, incluso cuando el festival termina. Para darte una idea de lo que se vivirá este 21 de marzo   (y sin encasillar estas propuestas en géneros rígidos) , el cartel está encabezado por Rels B , una de las figuras clave del pop urbano y el R&B latino actual. Junto a él, artistas como Omar Courtz, De La Rose y Luck Ra  amplían el espectro sonoro con fusiones que van del pop urbano a los beats modernos y los ritmos latinos contemporáneos. De la Rose una de las voces femeninas en el Resuena Dos Equis /Resuena Dos Equis El lado más urbano y trap del festival llega de la mano de Dei V , mientras que el reggaetón se presenta en distintos matices con Yandel en su modalidad Sinfónica y Manuel Turizo . El hip hop y rap están representados por MC Davo , y el regional mexicano  aparece desde una óptica actual con Destino, Víctor Mendivil y  Omar Camacho , estos últimos dos entrelazan corridos con elementos del trap. Manuel Turizo entre el pop, la bachata y el género urbano llega a Resuena Dos Equis /Resuena Dos Equis Por último pero no menos importante, el cartel también incluye propuestas femeninas que merecen mayor atención: Ivy Queen, Alanis Yuki, Olivia Wald y  La Santa  que no solo representan nuevas voces, sino miradas distintas dentro de la escena. Escucharlas es una oportunidad para cuestionar qué espacios se siguen abriendo y cuáles aún hacen falta para las mujeres en los festivales actuales. La reina Ivi Queen representando el poder femenino en Resuena Dos Equis / Resuena Dos Equis Por esto y más, Resuena Dos Equis 2026 vuelve a Puebla encuentra su propia personalidad en la mezcla de géneros, estilos y voces. Es un festival que entiende que la música, como las personas, no tiene por qué limitarse a una sola definición. Aún quedan boletos disponibles en eticket.

La llegada de la primavera es una oportunidad para celebrar la música, la vida y la energía renovada que trae la nueva estación. El 21 de marzo marca el inicio de este nuevo ciclo y distintos lugares de México y Latinoamérica se llenan de festivales y eventos que convierten esta transición climática en la excusa perfecta para dejar que la música acompañe el cambio de temporada, encontrando nombres como El Festival de Noche de Primavera, Resuena Dos Equis, Equinoccio, La Cura Fest y más festivales primaverales. Equinoccio, Resuena Dos Equis, La Cura Fest llegan en Marzo de 2026 En México, la llegada de la primavera se vive con eventos en diferentes estados de la República. Y para ver mas allá del Vive Latino y Tecate Pal Norte que son los mayores representantes en cuanto a festivales mexicanos se refiere, también existe una buena variedad en varios estados de la República Mexicana e incluso en la capital del país, por ejemplo, en la Ciudad de México  se celebra el Festival Noche de Primavera , que reúne a más de 80 artistas y agrupaciones musicales los próximos 21 y 22 de marzo en un total de 12 sedes, tanto en el Centro Histórico como, por primera vez, en escenarios ubicados en la periferia de la capital. Además, en la Arena CDMX  y con la nostalgia a tope, el viernes 20 de marzo se llevará a cabo Love The 90s , seguido de I Love Reggaeton 2026, el sábado 21 de marzo siendo un evento de música urbana donde se presentarán Tony Dize, Angel & Khriz, Eddy Lover, La Dinastía y más exponentes del llamado reggaetón de la primera escuela . En contraste, para los amantes de la música electrónica, MUTEK México  se llevará a cabo el 19 de marzo en el Museo Anahuacalli , fusionando sonido, arte y tecnología. El museo Anahuacalli comienza a tener eventos para todos y Equinoccio es uno de ellos / Mutek México En Cholula , Puebla tenemos la segunda edición del festival Resuena Dos Equis , evento que destaca la música urbana, el reggaetón y el regional, con artistas como Ivy Queen, Yandel, Omar Camacho y Mc Davo. Rels B, Yandel Sinfónico, Manuel Turizo y más en Resuena Dos Equis /Resuena Dos Equis Por su parte, en Papantla, Veracruz , con más de 10 años de trayectoria, se realiza el Festival Cumbre Tajín , un evento cultural por excelencia y uno de los más importantes del país, además de ser un referente internacional. Este festival combina música tradicional y contemporánea con rituales ancestrales, talleres, gastronomía y diversas expresiones artísticas que fortalecen la proyección del pueblo totonaca. Aunque aún no se confirma el cartel de este año, ediciones anteriores ha contado con la participación de Edén Muñoz, León Larregui , Residente, Porter, entre muchos otros.  Al noreste del país, la primera edición de La Cura , por Carín León con Tecate Light, se llevará a cabo el 14 y 15 de marzo en Hermosillo, Sonora . Este evento promete tener una selección de sonidos y amistades que han influenciado y sido parte del camino musical del cantante. Algunos artistas que ya se encuentran en el line up son Alejandro Sanz, Kevin Kaarl, Grupo Frontera y por supuesto, Carin León. El Festival presentado por Carín León y amigos en Marzo / La Cura Fest Del 20 al 22 de marzo, en Bogotá , el Festival Estéreo Picnic  se posiciona año con año como uno de los encuentros musicales más importantes de la región, reuniendo proyectos internacionales y latinoamericanos como Tyler, The Creator, Young Miko, The Warning y Luis Alfonso. Mientras tanto, en Paraguay , Asunciónico aparece como un ritual musical previo al cambio de estación, celebrándose del 17 al 19 de marzo, con presentaciones de Deftones, Sabrina Carpenter, El Mató a un Policía Motorizado, Yami Safdie, entre muchos otros artistas. Con algunos cambios que les favorecieron Estéreo Picnic es una buena opción de festivales fuera de México /Estéreo Picnic Colombia Por último, pero no menos importante, y dejando de lado que en el hemisferio sur marzo marca la transición hacia el otoño, Lollapalooza Brasil  se llevará a cabo del 20 al 22 de marzo, dando inicio a la temporada de festivales en Sudamérica y presentando un cartel imperdible con artistas como Negra Li, Doechii, Chappell Roan y RØZ . Lollapalooza Brasil con artistas locales e internacionales como Skrillex, Sabrina Carpenter y Tyler, The Creator /Lollapalooza Brasil

Por Anna Mirjam ANNA , DJ y productora brasileña nacida como Ana Miranda , se ha consolidado como una potencia del techno en los últimos años desde su gran irrupción en 2018 con el tema   Hidden Beauties   en la serie Speicher  de Kompakt . Creció en São Paulo y comenzó a pinchar cuando tenía 14 años, por primera vez en Six, el club nocturno que pertenecía a su padre. Actúa constantemente en algunos de los clubes más prestigiosos del mundo, como DC10, Hï, Printworks y Warung, y se sube a los escenarios de festivales icónicos que van desde Movement  hasta Tomorrowland , de TimeWarp  a Coachella , incluyendo el Amsterdam Dance Event  ( ADE ). La artista empezó a explorar la sanación a través del sonido y la espiritualidad alrededor de 2017, cuando visitó un centro de neurofeedback en Alemania e inició su propio camino de autosanación. Durante la pandemia de Covid-19 en 2020, ANNA  pasó el tiempo construyendo un nuevo estudio en Barcelona, al mismo tiempo que se enfocaba profundamente en la sanación sonora y en el impacto de utilizar frecuencias de manera más consciente y con fines específicos. Explicó que este proceso “la ayudó a atravesar los momentos difíciles” del confinamiento. Su experimentación la llevó a colaborar con la popular aplicación de bienestar Endel. En el “Día Mundial del Sueño” de 2022, ANNA  creó un paisaje sonoro impulsado por inteligencia artificial para ayudar a los oyentes a transitar con calma hacia un sueño profundo y también a aliviar la ansiedad, titulado  The Spring of Dreams . En 2023, lanzó su álbum debut de ambient  Intentions , que presenta un paisaje sonoro melódico y expansivo que hace referencia directa a técnicas de sanación a través del sonido. Este álbum debut incluye colaboraciones con el artista ganador del Grammy Jon Hopkins , el veterano referente del ambient Laraaji y el artista contemporáneo de ambient East Forest. Nos reunimos con ANNA  durante el AD) en octubre, donde fue ponente en el panel profesional de ADE Artists , AI and the $6.8 Trillion Wellness Opportunity . Durante el panelm, explicó que actualmente está utilizando muestras originales de su música techno tanto para sus shows como con fines meditativos. El panel exploró la intersección entre arte, ciencia e inteligencia artificial, y cómo esta crea nuevas posibilidades en la música orientada al bienestar. Artistas como ANNA muestran cómo la intención personal y la autenticidad emocional pueden fusionarse con la tecnología para apoyar la salud mental, el equilibrio y la autorreflexión, ofreciendo a los oyentes algo más profundo que las experiencias tradicionales de la pista de baile. ¿Por qué esta edición del Amsterdam Dance Event (ADE) es especial para ti este año? ¿Has tocado aquí antes? A:  No había estado en el ADE durante los últimos dos años, un período en el que mi vida y mi carrera atravesaron una gran transformación. Volver este año se sintió muy especial. Regresé con un equipo completamente nuevo, ideas frescas y un sentido renovado de dirección y propósito en mi trabajo. Lo que más me entusiasma es una nueva capa de mi trabajo que ahora estoy compartiendo abiertamente: la música como terapia, como sanación y como una herramienta para la expansión de la conciencia. ¿Cómo se relaciona la salud mental con tu trabajo como DJ? A:  La salud mental es importante en cualquier campo y, por supuesto, es fundamental en mi trabajo como artista. Operamos en un entorno con muchos desafíos: exposición constante, juicio, ser vista y evaluada todo el tiempo, inseguridades relacionadas con la imagen y el trabajo, y el ritmo intenso de los viajes y la falta de sueño. Es un mundo hermoso, pero también puede ser muy exigente. Sin un centro fuerte, una mente equilibrada y un corazón abierto y resiliente, las cosas pueden volverse difíciles. Hemos visto muchos ejemplos de ello. Por eso, cuidar la salud mental no es opcional en este campo; es esencial tanto para la longevidad como para el bienestar. ¿Cómo equilibras tu salud mental en el entorno acelerado de la escena de la música electrónica? A:  No dejo que el entorno dicte mi ritmo interior; tengo mi propio ritmo. Por supuesto, sigo lidiando con viajes constantes y agendas de giras ajustadas, pero mi trabajo diario conmigo misma me permite mantener un centro muy fuerte. Incluso cuando estoy en espacios rápidos, caóticos y de alta energía, rodeada de muchas personas, permanezco conectada con mi propio ser. Esto no ocurrió de la noche a la mañana; llegó a través de muchos años de meditación, equilibrio energético, trabajo interior, sanación y exploración de la expansión de la conciencia y la autorrealización. Esa base interna es lo que me permite moverme por este mundo con estabilidad y claridad. ¿Cómo se siente ser mujer en una industria tan dominada por hombres? A:  Seguimos viviendo en una era profundamente patriarcal, no solo dentro de la industria musical, sino en la sociedad en general. La mayoría de los sistemas no están estructurados para apoyar el ritmo natural, la intuición y el flujo cíclico de lo femenino. En cambio, suelen priorizar la productividad constante, el control y la lógica lineal, lo que puede suprimir la magia, la sensibilidad y la complejidad que lleva la energía femenina. En mi campo en particular, siento que las mujeres a menudo tienen que demostrarse repetidamente: su talento, su fuerza, su presencia, especialmente cuando encarnan una expresión femenina fuerte. Puede existir una presión no dicha para endurecerse o encajar en modelos ya existentes para ser tomadas en serio. Al mismo tiempo, creo sinceramente que esto está cambiando. Ya veo que se está creando más espacio para la autenticidad, la suavidad, la intuición y la inteligencia emocional. ¡El equilibrio es lo que necesitamos! ¿Crees que expresas la feminidad en tu trabajo? A:  Sí, absolutamente. En los últimos dos años siento que mi feminidad se ha manifestado con mucha más fuerza: en la forma en que creo, en cómo tomo decisiones, en cómo fluyo con la vida, e incluso en cómo me expreso visualmente y a través de la manera en que me visto. Se siente natural y profundamente liberador. ¡Siento que por fin soy yo misma! Mirando atrás, creo que estaba suprimiendo inconscientemente esta parte de mí, inclinándome más hacia una masculinidad forzada, empujando, controlando y sobreestructurando en lugar de permitir. Entrar en la expresión plena de mi feminidad ha traído más fluidez, intuición y autenticidad a mi trabajo y a mi vida, y realmente amo esta etapa en la que estoy ahora.

En la reciente conferencia de prensa virtual El Gran Silencio compartió los detalles de su esperado regreso a la capital del país. La legendaria banda regiomontana se prepara para hacer vibrar el Pepsi Center WTC el próximo 21 de febrero, en lo que promete ser una de las noches más explosivas de este 2026. El Gran Silencio esta en la casa este 21 de febrero en el Pepsi Center / Fotografía Ocesa Tras una exitosa trayectoria que ha fusionado el rock, el ska y la cumbia norteña, la agrupación se mostró entusiasmada por reencontrarse con el público chilango. Durante el encuentro con los medios, destacaron que este concierto será una celebración y una oportunidad para demostrar por qué su "freestyle norteño" sigue siendo un referente de la cultura popular mexicana. La energía del público capitalino ha sido fundamental a lo largo de su carrera. El setlist para esta fecha está cuidadosamente diseñado para recorrer desde sus himnos clásicos hasta los sonidos que han marcado su evolución reciente, garantizando una experiencia completa para todos los asistentes. El show del 21 de febrero no solo marcará su retorno a los grandes escenarios de la capital, sino que promete ser una producción de alto nivel. La banda extendió una invitación cordial a todas las generaciones de "chúntaros" para que se sumen a esta fiesta que celebra décadas de música independiente y auténtica. Con la garantía de un "slam" inolvidable y el ritmo inconfundible del acordeón, El Gran Silencio se declara listo para conquistar una vez más el corazón de la Ciudad de México. Fecha: 21 de febrero de 2026. Lugar: Pepsi Center WTC, CDMX. Boletos en Ticketmaster

Antes de escuchar un disco, ya lo habías visto. Estas portadas no solo acompañaron la música: la hicieron historia y aqui te hacemos un breve recuento con bandas como Joy Division, The Beatles, The Strokes, Nirvana y Billie Eilish que son parte de las 15 portadas que han hecho historia. 15 portadas que hicieron historia entre ellas David Bowie y Billie Eilish Antes de que una canción suene, un disco ya ha hablado. Las portadas de álbumes no son solo un envoltorio: son manifiestos visuales, declaraciones de intención y, en muchos casos, piezas de arte que definieron épocas completas. A lo largo de la historia de la música, algunos artistas entendieron que la imagen podía ser tan poderosa como el sonido, y confiaron esa misión a fotógrafos, diseñadores y creativos visionarios. Estas son las portadas más interesantes e influyentes que no solo acompañaron grandes discos, sino que ampliaron su significado: The Rolling Stones – Their Satanic Majesties Request Diseño: Michael Cooper The Rolling Stones – Their Satanic Majesties Request La primera portada en 3D del rock. Psicodelia pura. Cooper creó un collage visual saturado de color, símbolos y referencias místicas que rompía con todo lo que se había visto hasta entonces. Más allá de su polémica inicial, esta portada marcó un momento clave en la exploración visual del rock. Billie Eilish – When We All Fall Asleep, Where Do We Go? Fotografía: Kenneth Cappello Billie Eilish – When We All Fall Asleep, Where Do We Go? Oscura, inquietante y sorprendente para un álbum debut. Billie aparece sentada en la cama, con los ojos completamente blancos, desafiando cualquier expectativa de una “nueva estrella pop”. La portada funcionó como advertencia: aquí no habría complacencia, sino un viaje incómodo hacia lo más profundo de su universo creativo. Slayer – Reign in Blood Ilustración: Larry Carroll Slayer – Reign in Blood Considerada una de las mejores portadas del metal. La ilustración presenta una procesión infernal donde se mezclan figuras religiosas degradadas, cuerpos mutilados y cabezas en picas. Destaca la figura central (un híbrido de cabra y humano) transportada por subordinados, lo que refuerza la jerarquía del caos. Elvis Presley – 50,000,000 Elvis Fans Can’t Be Wrong Diseño: Bob Jones Elvis Presley – 50,000,000 Elvis Fans Can’t Be Wrong Elvis multiplicado, vestido con su icónico traje dorado. Una imagen que no necesita explicación: representa el fenómeno cultural, el exceso y la adoración masiva. Más que una portada, es una celebración visual del estatus casi mítico que Elvis había alcanzado. The Beatles – Abbey Road Diseño: John Kosh The Beatles – Abbey Road Cuatro figuras cruzando la calle. Nada más y nada menos. La simplicidad de la imagen se convirtió en uno de los íconos más reconocibles de la historia de la música. La sencillez del diseño permitió que los fans proyectaran significados profundos. La estética de Abbey Road es un triunfo del diseño minimalista que, irónicamente, nació de la practicidad y la urgencia. Joy Division – Unknown Pleasures Diseño: Peter Saville Joy Division – Unknown Pleasures La imagen muestra 100 pulsos sucesivos del primer púlsar descubierto (CP 1919). Fue encontrada por el guitarrista Bernard Sumner en la Cambridge Encyclopaedia of Astronomy. Representa la "muerte" de una estrella, una metáfora perfecta para el sonido oscuro y post-punk de la banda. Wendy Carlos – Switched-On Bach Diseño: Chika Azuma Wendy Carlos – Switched-On Bach Johann Sebastian Bach sosteniendo un sintetizador Moog. Una imagen revolucionaria para un disco que también lo fue. La portada comunica visualmente la idea central del álbum: música clásica viajando en el tiempo y adaptándose a una nueva era tecnológica. The Louvin Brothers – Satan Is Real Diseño: Ira Louvin The Louvin Brothers – Satan Is Real Colorida, teatral y casi ingenua. La portada contrasta con la seriedad del tema religioso que aborda el disco, creando una imagen memorable que hoy resulta tan inquietante como divertida. El rojo vibrante del demonio domina la composición, contrastando con los trajes blancos impolutos de los hermanos Louvin. Este contraste visual representa la lucha maniquea entre la pureza del espíritu. Nirvana – Nevermind Diseño: Robert Fisher Nirvana – Nevermind Un bebé nadando tras un billete de dólar. La imagen se convirtió en un símbolo cultural que trasciende la música: la persecución del dinero desde el nacimiento. Provocadora, directa y absolutamente inolvidable. Lo que parece una imagen refrescante de piscina es, en realidad, una crítica mordaz al capitalismo y a la pérdida de la inocencia. La portada de Nevermind es un ejemplo de cómo una imagen sencilla y directa puede transmitir un mensaje profundo y complejo, trascendiendo el ámbito musical para convertirse en un elemento distintivo de la cultura popular de los años 90. Su diseño ha sido analizado y discutido por su simbolismo, su impacto visual y la controversia que generó en su momento. Kendrick Lamar – To Pimp a Butterfly Fotografía: Denis Rouvre | Diseño: Kendrick Lamar & Dave Free Kendrick Lamar – To Pimp a Butterfly Una portada cargada de mensaje político. La imagen desafía y pisotea simbólicamente el sistema de justicia penal estadounidense, reforzando el discurso social y racial del álbum. No es solo arte: es una declaración. Pink Floyd – The Dark Side of the Moon Pink Floyd- The Dark Side of the Moon Diseño minimalista, impacto infinito. El prisma refractando la luz es una de las imágenes más reconocibles de la historia del rock. El prisma no fue una elección aleatoria, representa ciencia, introspección y complejidad emocional con una claridad visual absoluta. El diseño original no incluía el nombre de la banda ni el título. Pink Floyd confiaba tanto en la potencia del símbolo que permitieron que la imagen se convirtiera en su propia identidad corporativa. The Strokes – Is This It Fotografía: Colin Lane The Strokes-Is this it Sutil, provocadora y elegante. La imagen original transmitía intimidad y tensión, alineándose con el sonido crudo y directo de la banda. Una portada que se volvió tan comentada como el disco mismo. La imagen fue considerada "demasiado explícita" para el mercado estadounidense en 2001, lo que llevó a que fuera reemplazada en ese país. Esta controversia solo aumentó el estatus de objeto de deseo de la portada original, convirtiéndola en un símbolo de rebeldía elegante. AC/DC – Back in Black AC/DC- Back in Black Negro absoluto. Tipografía discreta. Un luto convertido en declaración de fuerza tras la muerte de Bon Scott. La portada es tan contundente como el álbum: sin adornos, sin explicaciones. Para AC/DC, el negro fuè un símbolo de resiliencia y renacimiento. Al eliminar las fotos de los integrantes, la banda trasladó todo el peso emocional a la música. The Smashing Pumpkins – Adore Diseño: Yelena Yemchuk The Smashing Pumpkins- Adore Amor, melancolía y oscuridad. La portada refleja perfectamente el tono introspectivo del disco, alejándose del rock alternativo más explosivo de la banda para abrazar una estética más emocional. Refleja una banda que ya no intentaba ser "estrellas de rock", sino artistas atormentados y vulnerables. A diferencia de sus trabajos anteriores, el diseño es extremadamente limpio. El uso del espacio negativo subraya el sentimiento de aislamiento y la frialdad David Bowie – “Heroes” Fotografía: Masayoshi Sukita David Bowie- Heroes Elegante, expresiva y profundamente artística. Bowie aparece en una pose inspirada en el expresionismo alemán, reforzando la idea de transformación constante que definió toda su carrera. La fotografía de Masayoshi Sukita, con su iluminación dura en blanco y negro, elimina cualquier rastro de la calidez del rock tradicional, estableciendo una imagen atemporal que fusiona la sofisticación artística con la crudeza. Estas portadas no solo acompañaron grandes discos: ayudaron a construir su legado. Son ejemplos claros de cómo una imagen puede amplificar un mensaje, definir una era y permanecer vigente mucho después de que la última canción termine. 💬 ¿Qué otras portadas agregarías a esta lista? Cuéntanos cuáles te marcaron, cuáles crees que cambiaron la historia o cuáles simplemente no puedes olvidar.